Algunos videojuegos nacen de una idea clara y directa. Otros, en cambio, son el resultado de años de experiencias aparentemente inconexas que terminan encajando. Este es uno de esos casos. La historia de este juego de ritmo no empieza en un estudio de desarrollo, sino en un salón improvisado, con una consola bajo el televisor y músicos descubriendo que tocar y jugar podían ser dos caras de la misma pasión.

De un estudio de grabación a descubrir que jugar también es música

El punto de partida no fue un plan de diseño ni una hoja de ruta creativa. Fue un momento casi accidental, a finales de los años 90, en un estudio de grabación en Gales. Mientras una banda trabajaba en su primer EP, una PlayStation olvidada bajo el televisor se convirtió en la distracción perfecta tras una jornada de grabación.

Entre los discos y los instrumentos apareció un juego que no se parecía a nada conocido hasta entonces. No se trataba solo de competir o reaccionar rápido, sino de seguir un ritmo, de sentir la música como parte activa de la experiencia. Aquella revelación fue clave: el cruce entre interpretar música y jugar no solo era posible, también era fascinante.

A partir de ahí, la obsesión creció. Los videojuegos ya formaban parte de la vida diaria, pero entender que podían dialogar directamente con la música abrió una puerta que no volvería a cerrarse. Esa idea, aún difusa, acabaría influyendo en cada decisión creativa posterior, incluso cuando el camino profesional parecía ir por rutas poco convencionales.

Un recorrido poco ortodoxo hasta el corazón del juego rítmico

Entrar en la industria del videojuego no fue inmediato ni sencillo. El recorrido incluyó trabajos creativos muy distintos entre sí, pero todos con un hilo común: la necesidad de crear. Finalmente, esa perseverancia llevó a un primer puesto como artista en un estudio clave del Reino Unido, en un momento especialmente emocionante para el sector.

La llegada de nuevas consolas y tecnologías coincidió con un entorno creativo donde la música y el juego empezaban a acercarse cada vez más. Ese vínculo se reforzó al unirse a un nuevo estudio centrado en proyectos donde el ritmo era parte esencial de la experiencia.

Allí, el trabajo no se limitó al apartado visual. El tamaño reducido del equipo permitió participar también en diseño y audio, reforzando esa conexión entre sonido y jugabilidad. Poco después llegarían proyectos que marcarían una época, con juegos que acercaron la música a millones de jugadores y redefinieron cómo se podía interactuar con ella desde un mando.

Mientras algunos cuestionaban este tipo de experiencias, la visión era clara: estos juegos no alejaban de la música, la acercaban a nuevas personas y despertaban curiosidad por sonidos y estilos que quizá nunca habrían descubierto.

El nacimiento de Aaero y el cierre de un ciclo creativo

Tras años trabajando para otros, llegó el momento de crear algo propio. Así nació un nuevo estudio y, con él, un juego que apostaba por traducir la música en movimiento. Aunque muchas comparaciones apuntaban a clásicos conocidos, la inspiración real venía de títulos más personales, especialmente aquellos que usaban los controles para “dibujar” el ritmo.

Esa idea evolucionó con el tiempo hasta convertirse en Aaero2: Black Razor Edition, una versión que no solo amplía la experiencia original, sino que la conecta con décadas de influencias musicales y jugables. El contacto con un sello y editor con una fuerte identidad musical terminó de dar forma al proyecto, incorporando nuevos paquetes de canciones que encajaban de forma natural con su propuesta.

El resultado es algo más que una secuela. Es la síntesis de una trayectoria marcada por consolas, guitarras, PSPs que aún siguen en uso y una idea que nunca se abandonó: la música no solo se escucha, también se juega. Su lanzamiento en PS5 representa ese cierre de ciclo, un regreso al punto de partida con todo lo aprendido en el camino.